En la mañana del día 11 de enero, todos los medios de comunicación se hacían eco del fallecimento de David Bowie, como consecuencia de un cáncer. Al igual que el líder de Motorhëad, Lemmy Kilmister, el Duque Blanco nos dejaba tres días después de cumplir 69 años y sacar su último álbum.
En Good Rocking Tonight-GRT hemos querido hacer un pequeño homenaje a esta leyenda de la música en forma de reportaje y, al igual que hacen los músicos, también hemos querido participar musicalmente en este tributo a Bowie versionando dos de sus temas más emblemáticos, uno con más éxito que otro. Pero como se suele decir, la intención es lo que cuenta.
Tributo de Vika a David Bowie
Tributo de Valdemar a David Bowie
¿Cuáles son vuestros temas favoritos de David Bowie? ¿Qué opináis de su último disco Blackstar?
Esta misma mañana ya lo comentaba Valdemar en nuestro Facebook:
Es por eso que le hemos rendido este pequeño homenaje.
Seguro que quieres recordad más de él o para aquellos que hoy es la primera vez que escuchan hablar de él aquí recogemos tres vídeos que cuentan su historia:
Por último, aquí os dejamos algunas muestras del legado de esta Leyenda del Rock.
Stand by me y Lucille han quedado huérfanos. Sí el primero es el título de una tema compuesto por B.E. King. Stan by me (1961) es una de las mejores canciones de la historia. Lo hemos podido escuchar en múltiples versiones y como la de Muhammad Ali, John Lennon, U2, Otis Redding o Imagine Dragons por decir algunos.
Como anécdota, Stand by me originariamente fue escrita para el grupo The Driffters, pero el mánager de estos decidió no grabarla. «Stand By Me» ha entrado en los diez primeros puestos de las listas de Billboard en dos ocasiones: tras su publicación como sencillo en 1961 y en 1986, debido a la película Cuenta conmigo y al posterior anuncio de una marca de pantalones vaqueros.
B.E. King nos dejó un 30 de abril de 2015.
Lucille no es solo una canción, sino también la guitarra más famosa del blues que ha quedado muda. Ayer, 14 de mayo desde la web oficial de B.B King se nos comunicó que el maestro del Blues fallecía mientras dormía. Inmediatamente, el mundo de la música se despedía de este grande del blues.
Eric Clapton
«Quiero expresar mi tristeza, quiero darle las gracias por toda la inspiración y el aliento que me dio como intérprete a lo largo de los años (…) No quedan muchos que toquen de la forma pura en que lo hizo B.B.»
«B. B. King alguien podrá tocar miles de notas y no decir ni por asomo lo que tú decías». –Lenny Kravitz.
«Muy triste por lo de B.B.King.
Descanse en paz» Gene Simmons.
Ayer, 2o de marzo de 2015, desde la página oficial de Facebook de Twisted Sister se nos daba a conocer una triste noticia. Anthony Jude Pero, más conocido como AJ, batería de la mencionada banda, había fallecido. Sus compañeros le dedicaban estas palabras:
Dee Snider
Dee Snider: «Today I lost a brother. Anthony Jude Pero passed away. A.J. was the final piece in a band that would become an international sensation and one of the greatest live rock acts to ever hit the stage. His sledgehammer assault on the drums helped drive Twisted Sister and I to greatness and inspired me to rock every single show. My heart breaks knowing I will never feel the power of his beat behind me, or turn to see his face smiling broadly from the sheer joy he got from doing what he loved. I will always remember that smile. RIP my friend.”
Dee Snider, vocalista de Twisted Sister,: » Hoy perdí un hermano. Ha fallecido Anthony Jude Pero. A.J. fue la pieza final de una banda que sería un éxito a nivel internacional y con uno de las mejores puestas en escena en sus conciertos. Su asalto a la batería sledgehammer ayudó a conducir twisted sister y yo a la grandeza y me inspiró a rock cada espectáculo. Mi corazón se rompe sabiendo que nunca voy a sentir el poder de su beat detrás de mí, o volver a ver su cara sonriendo ampliamente de la alegría que tiene de hacer lo que amaba. Siempre voy a recordar esa sonrisa. Rip amigo mío».
Jay Jay French
Jay Jay French: “AJ Pero was a force, the likes of which I doubt I will ever have the chance to play in front of again. His drumming was legendary but his heart, as a human being, was even greater. This April 1st would have been his 32nd year as a member. In the Twisted Sister world he was always affectionately known as “the new guy”. That is how long and deep our history was/is. In our hearts he will always be the engine that drove the train. I loved him and today my heart has been ripped out. RIP”.
Jay Jay French, guitarrista y fundador de Twisted Sister :» AJ Pero fue una fuerza, de la talla de la que dudo vuelva a tener la oportunidad de tocar con el de nuevo. Su batería fue legendaria, pero su corazón, como un ser humano, fue aún mayor. Este 1 de abril, habría sido su 32 º año como miembro de la banda. En el entorno de Twisted Sister fue siempre cariñosamente conocido como » El Nuevo Hombre «. Así de larga y profunda fue y es nuestra historia. En nuestros corazones, él siempre será el motor que condujo el tren. Yo lo amaba y hoy mi corazón ha sido arrancado. RIP «.
Mark Animal Mendoza
Mark ‘The Animal’ Mendoza: This morning I received the tragic news about AJ’s passing. As anyone would be, I am devastated. With such a loss, even I broke down and cried, allegedly the tough guy in the band. One statement says it all, “AJ was my band mate, my friend and my brother and I will miss him forever”.
Mark ‘The Animal’ Mendoza: «Esta mañana he recibido la trágica noticia del fallecimiento de AJ. Como cualquiera en esta situación, estoy destrozado. Con tal pérdida, incluso me quebré y lloré, y eso que supuestamente soy el tipo duro en la banda. Una declaración dice todo, «AJ era mi compañero de banda, mi amigo y mi hermano y yo le perdí para siempre».
Eddie Ojeda
Eddie Ojeda and The Ojeda Family: «My family, extended Twisted Sister family, and I are heartbroken and devastated to hear the news of Anthony Jude Pero’s passing. A.J. was a dear friend and brother to me, and in my opinion, one of the most talented drummers of all time. I will always remember the amazing experiences and great laughs we shared. A.J. always had an amazing sense of humor and did his best to please everyone he came in contact with.
Back in the day, when the band first started touring, we were often room-mates and he never failed to keep me smiling. It’s very difficult for me to talk about this right now. However, I feel that out of respect for his legacy, it’s important for us to let the world know how we all felt and will always feel about him. I know I will dearly miss him, but I’m grateful to have been his friend and musical partner for thirty-eight years.
At this time, my sincerest sympathies go out to his family. Heaven just got a great drummer, one that will live forever in our hearts».
Eddie Ojeda y Familia Ojeda: «Mi familia, incluidos los miembros de Twisted Sister, y yo tenemos el corazón roto y devastado al escuchar la noticia de la muerte de Anthony Jude Pero. AJ fue un querido amigo y hermano para mí, y en mi opinión, uno de los músicos más talentosos de todos los tiempos. Siempre recordaré las experiencias increíbles y grandes risas que compartimos. AJ siempre tenía un increíble sentido del humor y hizo todo lo posible para complacer a todo el mundo con los que se puso en contacto.
De vuelta en el día, cuando la banda comenzó a viajar, fuimos a menudo compañeros de habitación y nunca dejó de hacerme sonreír. Es muy difícil para mí hablar de esto ahora. Sin embargo, creo que por respeto a su legado, que es importante para nosotros para que el mundo sepa lo que todos sentimos y siempre hemos sentido por él. Sé que le voy a extrañar muchísimo, pero estoy agradecido de haber sido su amigo y compañero musical durante treinta y ocho años.
En este momento, mis sinceras condolencias a su familia. El cielo acaba de recibir un gran baterista, que vivirá por siempre en nuestros corazones».
Aj
El batería, miembro activo de Twisted Sister desde 1982 hasta 1986, asimismo también participó en la banda en 1997, 1998, 2001 y 2002. En 2003 ya sería definitivo con el regreso de la banda. Grabó pues sus cuatro aplaudidos primeros álbumes: ‘Under the Blade’, ‘You Can’t Stop Rock ‘n’ Roll’, ‘Stay hungry’ y ‘Come Out and Play’.
El baterista también tocó en otros grupos como Cities, Circle of Thorns, No more tears y Adrenaline Mob.
Estaba previsto que los neoyorkinos volvieran a participar en el Rock Fest de Barcelona, repitiendo su presencia en el festival. Ahora habrá que esperar a ver qué decide la banda tanto para Barcelona como su gira europea este verano.
Este año nos ha llegado un tributo al ya desaparecido: Randy Rhoads. Mañana 19 de marzo, se cumplirán 33 años de su desaparición, debido a un accidente con una avioneta en Leesburg (Florida). Qué mejor manera que hacerle un homenaje con músicos de la talla de George Lynch, Rudy Sarzo, Bernie Tormé, Ripper Owens, Vinny Appice, Doug Aldrich, entre otros.
La gran mayoría de los temas de los once comprende la etapa Ozzy Osbourne ( «Blizzard Of Oz» de 1980 y «Diary of A Madman» de 1981 ), es decir ocho, y dos de la etapa Quiet Riot disco homónimo de 1977 y el que le siguió después «Quiet Riot II» de 1978.
Es todo un placer recordar de nuevo esos temas que encumbraron la figura de uno de los mejores guitarristas de la Historia del Rock. Siendo un álbum fresco a pesar de las versiones en las que aveces se encuentra a faltar la voz de Ozzy.
Pero correremos un tupido velo, ya que el alto nivel compositivo que nos dejaron esas dos bandas era inmejorable. Así lo declaran en este tributo. Un recuerdo más a una de las figuras que siempre estará con nosotros: Randy Rhoads.
Rhoads tocó su último concierto el Jueves, 18 de marzo 1982 en el Knoxville Civic Coliseum.
Moltes gracies a tots per felicitar els meus 60 anys !. Gracies al meu equip que sense saber jo res de res de res, van enregistrar l´inici del programa de dissabte. No en sabía res de res de res. Quina soprpresa. Vaig plorar i tot d´emoció. Gracies a tots, especialment a la Romy Masferrer que, en diuen, va ser qui ho va moure tot. Gracies de nou a tots. De veritat. Gracies amics i oïents !. Gracies perque sou la meva família.
Bé, ara per temas de salut estaré uns dies fora de circulació […]
La traducción sería algo así.
Hola familia.
Muchas gracias a todos por felicitarme en mi 60 cumpleaños. Gracias a mi equipo sin saber yo nada da nada, registraron el inicio del programa del sábado. No sabía nada de nada de nada. Qué sorpresa. Lloré y todo emoción. Gracias a todos, especialmente a Romy Masferrer que llaman, fue quien lo movió todo. Gracias de nuevo a todos. De verdad. ¡Gracias amigos y oyentes!. Gracias porque sois mi familia.
Bueno, ahora por temas de salud estaré unos días fuera de circulación […]
Éstas son las últimas palabras del periodista, crítico musical, Jordi Tardà en su página de Facebook en el programa de «Tarda Tardà» (Tarde Tardà) que conducía en Catalunya Radio. Lamentablemente, esos problemas de salud derivarían a que el día 1 de marzo de 2015 se anunciara, a través de los distintos medios de comunicación, su fallecimiento.
Con la historia del rock
Quizá para la gente que no es de Catalunya sea un desconocido, para otros, sin embargo, es todo un referente musical y un referente de la música rock en España. Desde 1985, es decir prácticamente desde la fundación de Catalunya Radio, Tardà realizó su programa musical en el ente catalán y del que justo este año se cumplía su trigésimo aniversario. Esos 30 años en antena le convertían a este espacio al programa de rock más veterano no sólo a nivel Estatal, sino también a nivel europeo.
Entrevista a Joan Tardà por Manel Fuentes en «El Matí de Catalunya Ràdio» (12.07.2010) en 2010 cuando su programa cumplía 25 años.
Desde Good Rocking Tonight-GRT hemos decidido realizar este pequeño homenaje a un compañero de profesión, que no sólo se dedicaba a llenar las ondas con buena música, sino que también era el director de la Feria del disco del coleccionista e impulsor del Museo del Rock de Barcelona.
El museo abrió en marzo de 2011 con 500 piezas de coleccionista y estaba situado en la cuarta planta del centro comercial Las Arenas de Barcelona. La pinacoteca contaba una sala dedicada a los Beatles, otra a los Rolling Stones, otra al rock nacional y una cuarta que alberga exposiciones temporales.
El objetivo no era otro que, en palabras del periodista: «explicar fragmentos de la historia del Rock». El mismo propósito que tenemos en Good Rocking Tonight-GRT.
Sin embargo, las deudas hicieron que un año después se presentara un concurso voluntario de acreedores y finalmente cerrara sus puertas en 2012.
Pero además de director del Museo del Rock de Barcelona y de la Feria del Disco del Coleccionista (la última se celebró en 2004), él mismo fue considerado un icono dentro del mundo del coleccionismo. También fue gran fan de grupos de rock como The Rolling Stones, a quienes entrevistó las dos primeras veces que estuvieron en España, en 1976 y en 1982.
Tardà siempre proporcionaba a sus oyentes primicias, la última hora en actualidad musical, retransmisiones de conciertos nunca grabados en discos. Asimismo, publicó varios libros y una novela: John Lennon, la biografía de un genio (1987); Paraula de Stone (1996); Diario de un Coleccionista (2002) y La puerta del infierno (2007).
En los últimos años también organizó exposiciones con material propio, pero no sólo de Rock sino también del personaje de Hergé, Tintín.
Y al igual que muchos profesionales de la comunicación siempre concluía sus programas de radio con una coletilla. Coletilla que reproduciremos aquí para finalizar este reportaje:
Hoy, 26 de enero de 2015, Grecia está en boca de todos por el esperado cambio político que acabe con la austeridad impuesta desde Alemania. Sin embargo, no todas son buenas noticias. En nuestro caso, Good Rocking Tonight-GRT tenemos que decir adiós a Demis Roussos. Hace apenas unas horas nos llegaba la noticia de su fallecimiento a los 68 años de edad, según confirmaba el hospital Hygeia Hospital de Atenas.
Por eso, desde GRT queremos rendirle un pequeño homenaje a otro ciudadano griego llamado: Demis Roussos. En concreto, mi recuerdo de este cantante era por un lado su nombre que me llamaba la atención porque con tanta “s” esperaba un grupo, pero no era sólo uno. También me parecía curiosa su melena y barba negra y cómo no sus túnicas… o ¿eran ponchos? cuando participaba en programas de la televisión y cómo no, las cintas (cassettes) que me ponía mi padre en el coche cuando íbamos de viaje. Sobre todo ponía este tema que comienza con un coro femenino y después entraba esa voz tan personal (aterciopelada y llena de melancolía) de Demis Roussos en el tema Forever and ever de 1973.
Ever and ever forever and ever
You’ll be the one
That shines on me
Like the morning sun
Ever and ever forever and ever
You’ll be my spring
My rainbow’s end
And the song I sing
Take me far beyond imagination
You’re my dream come true, my consolation
(Ever and ever forever and ever)
You’ll be my dream
My symphony
My own lover’s theme
(Ever and ever forever and ever)
My destiny
Will follow
You eternally
(Musical Interlude)
Take me far beyond imagination
You’re my dream come true, my consolation
(Ever and ever forever and ever)
You’ll be the one
That shines in me
Like the morning sun
(Ever and ever forever and ever)
My destiny
Will follow you
Eternally
Éste es uno de los muchos temas que llevó a Demis Roussos a la fama. También tiene otros como una versión de La casa del Sol Naciente, Velvet mornings, Lovely lady of Arcadia, Goodbye y Quand je t’aime. Aquí os adjuntamos un playlist con algunas de sus canciones más famosas dedicadas a los nostálgicos o a quienes quieran descubrir a este artista.
Pero quién fue Demis Roussos. Los que vivieron la época de los años 70 y 80 recordarán que justamente en esas décadas fue la época dorada de este cantante griego. Vendió más de 60 millones de álbumes en todo el mundo. Pero no sólo fue un solista.
Quizá convendría comenzar su historia por el principio. Su nombre real era Artemios Ventouris Roussos y nació en Egipto en 1946, su padre era mitad griego y mitad egipcio mientras que su madre tenía orígenes italianos. La crisis del canal de Suez en los 60 hizo que la familia se mudara a Grecia.
A la edad de 17 años inció su carrera musical en una banda llamada The Idols, en donde conocería a Vangelis con el que después formarían el grupo de rock progresivo llamado Aphrodite’s Child. La banda gozó de éxito durante los 60 y publicó tres discos: End of the World (February 1968), It’s Five O’Clock (December 1969) y 666 (1972).
En los 70 Demis decidió seguir su carrera en solitario, logrando colarse en las listas de muchos países con su tema Forever and ever, del cual hemos compartido la letra y el video de la canción al inicio de este reportaje-homenaje a Demis Roussos. En 1975 logró tener en el top 10 británico 5 álbums simultáneamente.
Ese mismo año se alzó con el premio al mejor artista masculino, premio al mejor single y al mejor álbum. Y hasta el propio Guiness de los Records ha recogido su nombre. Como él mismo decía, 1975 fue un año copado por Demis Roussos y Abba.
En 1981 volvería a coincidir con su ex compañero Vangelis para poner voz a ese tema que fue banda sonora de la película Carros de Fuego.
Secuestro de un avión
Pero también ha vivido situaciones un tanto complicadas. Como por ejemplo en 1984 cogió un vuelo de Atenas a Roma y éste fue secuestrado por el grupo militante libanés Hezbolá.
El grupo militante exigió la liberación de 17 miembros de Hezbolá y el Partido Dawa Islámico Iraquí, que había sido detenido en Kuwait para los ataques que mataron a seis personas en 1983.
Roussos pasó su cumpleaños número 39 en cautiverio, antes de ser liberado en Beirut el 18 de junio – pero la mayoría de los 153 pasajeros restantes pasó 17 días en el avión. Lo curioso del caso es que los secuestradores dieron una tarta de cumpleaños al cantante y una guitarra para que cantara. Este suceso influyó en su carrera.
Una carrera a la que hoy se le ha puesto punto y final. Pero siempre nos quedará su música, sus canciones que como él mismo decía son sonidos románticos meditarráneos que invitan a irse de vacaciones. Por ello, desde Good Rocking Tonigh-GRT deseamos a Demis Roussos felices vacaciones.
Hoy, 22 de diciembre de 2014, Good Rocking Tonight-GRT se hace eco de una triste noticia. El cantante británico Joe Cocker ha fallecido a los 70 años de edad, según a confirmado su agente Barry Marshall.
Después de sus años de lucha contra un cáncer de pulmón, la voz blanca del soul nos ha dejado. Cocker nació en Sheffield en el norte de Inglaterra, allá un 20 de mayo de 1944. Durante los primeros años participó en bandas como The Avengers (bajo el nombre artístico de Vance Arnold), seguida de Big Blues (1963) y The Grease Band (1966). En aquellos años hacía versiones de temas de Chuck Berry o Ray Charles e incluso llegó a ser telonero de los Rolling Stones.
Pero no sería hasta su participación en el festival de Woodstock en 1969 cuando con tan solo 25 años pasaría a la historia del rock por su magnífica interpretación del tema de The Beatles, With a little help of my friends.
Repaso discográfico
Después vendrían discos como ‘Joe Cocker!’ (1969), ‘Joe Cocker: something to say’ (1972), ‘I can stand a little rain’ (1974), ‘Jamaica say you will’ (1975), ‘Stingray’ (1976), ‘Sheffield steel’ (1982), ‘Civilized man’ (1984), ‘Unchain my heart’ (1987), ‘One night of sin’ (1989), ‘Across from midnight’ (1997), ‘Respect yourself’ (2002), a los que hay que añadir multitud de álbumes de directos o recopilatorios. En 2012 llegaría su último trabajo ‘Fire It Up’. En 2013 realizó una gira que lamentablemente fue la última.
Su carrera resultó algo errática, dejando sus mejores obras en los primeros años setenta, aunque a mediados de los ochenta, más orientado hacia el soft rock y apostándolo todo a su mágica voz rota, logró vivir cierta edad dorada. Una voz que también que nos ha acompañado en bandas sonoras de películas como Oficial y Caballero con el tema ‘Up where we belong’ (1982) o también con el tema erótico por excelencia ‘You can leave your hat on’ (1986) que nos recuerda esa escena con el striptease de Kim Basinger en el film Nueve semanas y media.
Joe Cocker
Cocker fue, sobre todo, un intérprete de temas ajenos, a los que sabía dotar de personalidad propia y del que todos recordaremos sus gestos espasmódicos sobre un escenario al interpretarlos. Nos hemos quedado sin Joe Coker, pero aún podemos disfrutar de su legado musical.
Aquí os dejamos uno de esos conciertos de 2013 en la que fue su última gira. En concreto el Concierto Fire it Up Live de Colonia (Alemania).
01. I Come In Peace
02. Feelin’ Alright [00:04:44]
03. The Letter [00:09:27]
04. When The Night Comes [00:15:14]
05. You Love Me Back [00:20:34]
06. I’ll Be Your Doctor [00:24:50]
07. Up Where We Belong [00:28:33]
08. Come Together [00:34:45]
09. Eye On The Prize [00:40:49]
10. You Don’t Need A Million Dollars [00:46:00]
11. You Are So Beautiful [00:50:40]
12. Younger [00:54:56]
13. Fire It Up [00:59:15]
14. N’oubliez Jamais [1:03:44]
15. You Can Leave Your Hat On [1:10:27]
16. Unchain My Heart [1:15:15]
17. With A Little Help From My Friends [1:21:38]
18. Summer In The City [1:33:36]
19. Hard Knocks [1:38:35]
20. Cry Me A River [1:42:33]
21. You Don’t Know What You’re Doing To Me [1:48:02]
En Good Rocking Tonight-GRT hemos querido hacer una selección de temas de Joe Cocker. ¿Tú cuál añadirías?
Si ayer, desde Good Rocking Tonight-GRT rendíamos homenaje a los músicos que nos han ido dejando, tristemente, debemos añadir uno más a la lista. Hoy, jueves 4 de septiembre la familia de Gustavo Cerati confirmaba el fallecimiento de éste, tras cuatro años en coma.
Gustavo Cerati nació el 11 de agosto de 1959 en Buenos Aires (Argentina). Ya a los nueve años estudiaba guitarra, a los doce conformó un trío con el cual se presentaba en fiestas particulares, participaba de todos los eventos que se realizaban en el colegio religioso al que concurría, y llegó a dirigir el coro de la iglesia.
Sus primeras influencias musicales fueron grupos como King Crimson y especialmente The Beatles. También David Bowie, Pink Floyd y guitarristas como Jimmy Page (Led Zeppelin) y Ritchie Blackmore (Deep Purple)
En el año 1979 en la Universidad de El Salvador cursando la carrera de Publicidad, Gustavo Cerati conoce a Héctor «Zeta» Bosio (futuro bajista del grupo Soda Stereo), junto a otro grupo de estudiantes con los cuales intercambiaban discos de The Police, XTC, Elvis Costello. Mientras estudiaba tocó en dos bandas: una de rock and roll y blues, y otra de fusión.
21/12/2007 | Argentina | Buenos Aires | Estadio River Plate Fotos: James Morrison & Germán Saez
Soda Stereo
A partir del año 1982 los dos músicos comienzan a proyectar la formación de una banda en la que tocarían temas propios. En ese momento conocen a Charly Alberti, y de ahí en más, luego de un período donde prueban distintas formaciones (incluyendo por momentos a músicos como Richard Coleman, Daniel Melero y Andrés Calamaro entre otros) y distintos nombres, se constituye formalmente Soda Stereo.
La banda estableció la formación de trío:
Gustavo Cerati: voz y guitarra
Zeta Bosio: bajo
Charly Alberti: batería
Desde el comienzo el grupo se ocupó de construir su propia imagen; ayudados por Alfredo Lois (compañero de la universidad) cuidaron los detalles estéticos, el maquillaje, los peinados, y – más adelante- la tapa de los primeros discos y la puesta en escena de los recitales. Los primeros conciertos fueron en julio del año 1983 en la discoteca Airport y en el Stud Free Pub. Desde ese momento recorrieron el circuito de pubs, con escala obligada en el Café Einstein y Zero, que por entonces representaban el centro de la movida underground del momento donde tocaban bandas como Sumo y Los Twist.
Soda Stereo firmó contrato con la compañía discográfica Sony Music en agosto de ese año; y en el 1984 comenzaron la grabación de su primer LP «Soda Stereo» (1984). El disco contó con la producción artística de Federico Moura (líder de otro legendario grupo: «Virus»), y fue presentado en el mes de diciembre en el Teatro Astros de la Capital Federal argentina.
Su segundo álbum, «Nada Personal» (1985), fue editado en octubre del 85, y presentada oficialmente en el Estadio de Obras Sanitarias ante 16.000 personas en cuatro funciones. A partir de esos conciertos, las ventas del disco comenzaron a crecer aceleradamente, pasando del disco de oro que habían conseguido durante el verano hasta el platino, y llegando a doblar esa cifra en los meses siguientes.
Simultáneamente el trío grabó el video del tema «Cuando pase el temblor» bajo la dirección de Alfredo Lois en las ruinas del Pucará de Tilcara, que junto a la filmación de la presentación en el estadio Obras fue editado en formato video home. Este clip fue nominado como Video finalista del 12° World Festival of Video and TV en Acapulco unos años después.
1985 fue el año de la consagración de Soda Stereo ante el público argentino; y ya en 1986 empezarían a ser conocidos internacionalmente.
La conquista de Latinoamérica
El tercer disco «Signos» (1986), tuvo la participación del tecladista Fabián Von Quintiero, el guitarrista Richard Coleman y Celsa Mel Gowland en coros. Una vez terminada la grabación del mismo, Soda Stereo inició una gira por las ciudades más importantes de Latinoamérica.Para esta época, el público que seguía a la banda había aumentado considerablemente y se apropiaron de sus canciones, como «Persiana americana» y «Signos». En Chile, la prensa llegó a definir el fenómeno de la banda como «Sodamanía».
A partir de 1988, los músicos comenzaron a trabajar en el nuevo disco, cuya producción artística estuvo a cargo de Carlos Alomar, quien acredita trabajos con David Bowie, Mick Jagger, Iggy Pop y Paul Mc Cartney entre otros.
Luego de ser grabado en un estudio de Nueva York, «Doble Vida» (1988) fue presentado en una discoteca de esa ciudad y en algunos puntos de México y Colombia. Hits como «Lo que sangra (la cúpula)», «Corazón Delator», y «En la ciudad de la Furia» afianzaron definitivamente a la banda dentro de las preferencias del público local. El video de este último tema fue finalista del MTV Music Awards en la categoría de «Mejor video Extranjero», en una época donde MTV Latinoamérica no había nacido aún.
A fines de 1989 grabaron una nueva versión de «Languis» (canción incluída en «Doble Vida») y un tema nuevo llamado «Mundo de Quimeras», los que fueron editados en el maxi-simple «Languis» (1989) junto a versiones remixadas de «En el borde» y «Lo que sangra (la cúpula)». Luego de editado el disco, realizan la primera presentación de una banda de rock en español en territorio estadounidense con un show sold out en The Palace de Los Angeles.
A principios de 1990, la banda se presenta por primera vez en Argentina en un estadio de fútbol (estadio Vélez Sarsfield), en la cual compartieron cartel junto al dúo inglés Tears For Fears.
A mediados de 1990, Soda Stereo vuelve a grabar un disco de estudio con el aporte conceptual de Daniel Melero, y la participación de Andrea Alvarez y Tweety González – todos importantes músicos de la escena rockera nacional – en calidad de invitados.
«Canción Animal» (1990) significó para la banda el acceso al mercado español plasmado en el futuro a través de la realización de conciertos en Sevilla, Madrid, Barcelona, y Valencia en el año 92, y una maratónica «Gira Animal» que abarcó treinta ciudades de Argentina, incluyendo lugares donde nunca se había presentado una banda de la envergadura de Soda Stereo.
A comienzos de 1991 se presentan en un gran concierto gratuito en la ciudad de Punta del Este (Uruguay), y hacia mitad de año, baten un nuevo record realizando 14 presentaciones en el Teatro Gran Rex de la Ciudad de Buenos Aires.
De estos shows surgió el EP «Rex Mix» (1991) el cual incluía versiones en vivo grabadas esas noches y también versiones remixadas junto al tema nuevo «No necesito verte (para saberlo)». La banda cerraría ese año con un nuevo record. Un nuevo concierto gratuito y masivo que fue presenciado por 250.000 personas en plena Avenida 9 de Julio de la Ciudad de Buenos Aires.
A comienzos de 1992 – y paralelamente a las actividades de la banda – Gustavo Cerati editó un disco en conjunto con el músico Daniel Melero, quien había participado anteriormente con la banda como colaborador artístico y formaba parte de los músicos invitados en las presentaciones en vivo durante la gira de «Canción Animal».
«Colores Santos» (1992) – que también contó con el aporte de los músicos Flavio Etcheto y Carola Bony – fue grabado en el estudio Supersónico de los Soda, y no fue presentado en vivo.
La grabación del siguiente disco de Soda Stereo también se realizó en el estudio Supersónico durante 1992. «Dynamo»(1992) fue editado en el mes de Septiembre y fue presentado con 6 shows en el Estadio Obras a fines de ese mismo año. La banda quiso que cada concierto contara con una banda nueva como invitados y así estuvieron de soporte bandas como Babasónicos, Juana La Loca, Martes Menta y Tía Newton, las cuales protagonizaban el nuevo escenario musical de Buenos Aires.
En enero de 1993 emprendieron su sexto tour latinoamericano, visitando México, Chile, Paraguay, y Venezuela.A finales de año se edita «Zona de Promesas» (1993), un compilado de remixes de clásicos temas de la banda, y la inclusión de una canción inédita que daría título al álbum.
Tres años después el grupo editará lo que sería su último disco en estudio.
Varias cosas sucedieron durante ese tiempo. Algunas de ellas fueron el cambio de compañía discográfica por parte de la banda (de Sony a BMG); la edición del disco «Amor Amarillo» (1993): primer trabajo en solitario del líder de Soda, que coincidió con el nacimiento del primer hijo de Gustavo, y fue grabado en Chile y Buenos Aires con la participación de Zeta Bosio.
El año 95 marcó el regreso del grupo con la edición de «Sueño Stereo» (1995). Temas como «Paseando por Roma», «Zoom», y el primer corte de difusión «Ella usó mi cabeza como un revólver», se escucharon en las radios y motivaron el regreso de la banda a los escenarios porteños. Nuevamente el Gran Rex fue el teatro elegido para presentar el disco; emprendiendo durante ese año una nueva gira latinoamericana y la realización de un recital gratuito para el festejo del 113° aniversario de la ciudad de La Plata (Capital de la provincia Buenos Aires).
En 1996 Soda realizó un tour por Estados Unidos (Los Angeles, Chicago, Nueva York, y Miami) para presentar su última producción, cosechando elogiosas críticas de los medios norteamericanos más importantes. A mediados de año grabaron en Miami un concierto para la cadena de música MTV. Este concierto tuvo la particularidad de que la banda no respetara la consigna original sobre el uso de instrumentos desenchufados. «Comfort y Música para Volar» (1996) – disco que registra esta presentación – es una versión plugged de 11 temas de la banda y que incluye además 4 temas nuevos que habían quedado fuera de «Sueño Stereo» y un track interactivo con historietas e imágenes en video de la presentación en MTV.
Este disco constituye la última producción discográfica realizada como banda.
El final de Soda Stereo
A partir de ese momento, Soda entró en un silencio que sólo se vió interrumpido por las versiones no oficiales de su separación definitiva.
Mientras tanto Gustavo se unió a tres músicos chilenos no profesionales (Andrés Bucci, Guillermo Ugarte, y Christian Powditch), constituyendo Plan V, proyecto electrónico que se plasma en dos discos: «Plan V» (1996), de origen trasandino; y el segundo trabajo «Plan Black V Dog» (1998), que fue compartido con los ingleses Black Dog, y editado en el año 1998 luego de la separación de Soda Stereo.
El 1° de Mayo de 1997, la banda anunció oficialmente su separación mediante un comunicado de prensa. Al día siguiente, todos los diarios se hacen eco de la noticia y el diario Clarín dedica un gran espacio en su portada para ello. Gustavo publica luego en el suplemento «Sí» (suplemento joven del diario Clarín) lo que sería «La carta del adiós» y la carrera en solitario de Gustavo Cerati.
Discografía:
Con Soda Stereo:
– Soda Stereo, 1984.
– Nada personal, 1985.
– Signos, 1986.
– Doble vida, 1988.
– Canción animal, 1990.
– Dynamo, 1992.
– Sueño Stereo, 1995.
Como solista:
– Amor amarillo, 1993.
– Bocanada, 1999.
– Siempre es hoy, 2002.
– Ahí vamos, 2006.
– Fuerza natural, 2009.
Nominaciones y premios
Grammy Latino
2002 | Nominación «Mejor álbum Instrumental Pop»: «+ Bien»
2002 | Nominación «Mejor canción rock»: «Puente»
2003 | Nominación «Mejor álbum vocal de rock»: «Siempre es hoy»
2006 | Nominación «Album del año»: «Ahí vamos»
2006 | Ganador «Mejor álbum de rock»: «Ahí vamos»
2006 | Ganador «Mejor canción rock»: «Crimen»
2006 | Ganador «Mejor producción»: «Fijación oral vol.1 (Shakira)»
2007 | Nominación «Mejor canción del año»: «La excepción»
2007 | Nominación «Grabación del año»: «Ahí vamos»
2007 | Ganador «Mejor canción de rock»: «La excepción»
2008 | Nominación “Mejor canción alternativa”: «El Mareo» (Colaboración con Bajofondo)
2010 | Ganador “Mejor álbum de rock”: «Fuerza Natural»
2010 | Ganador “Mejor diseño de empaque”: (Rock Instrument Bureau)
2010 | Ganador “Mejor canción de rock”: «Deja Vu» Premios MTV Music Awards
1998 | Finalista en el rubro Mejor Video Extranjero: «En la ciudad de la furia» Premios MTV Video Music Awards Latinoamérica
2002 | Nominación «Mejor artista sureste»
2002 | Nominación «Mejor artista masculino del año»
2002 | Ganador «Premio a la trayectoria» por Soda Stereo
2003 | Nominación «Video del año»: «Cosas imposibles»
2003 | Nominación «Mejor Solista»
2003 | Nominación «Mejor Artista de Rock»
2003 | Nominación «Mejor Artista Argentina»
2006 | Nominación «Mejor Solista»
2006 | Nominación «Mejor Artista Rock»
2006 | Nominación «Video del año»: «Crimen»
2006 | Nominación «Artista del año»
2006 | Ganador «Mejor artista sur»
2007 | Nominación «Mejor solista o intérprete»
2007 | Nominación «Mejor artista rock»
2007 | Nominación «Video del año»: «Adiós»
2008 | Nominación «Mejor Solista»
2008 | Nominacion «Mejor artista Rock» Rock & Pop Awards
2006 | Ganador «Mejor solista nacional»
2006 | Ganador «Mejor cantante nacional»
2006 | Ganador «Mejor disco nacional»: «Canción animal» (Soda Stereo)
2006 | Ganador «Mejor show nacional»: «Soda Stereo, El Ultimo concierto» (Soda Stereo) Premios Carlos Gardel
2000 | Ganador «Mejor artista de rock»
2000 | Ganador «Mejor diseño de portada»: «Bocanada» | Diseñador: Alejandro Ros
2000 | Nominación «Realizador del año»: «Bocanada» | Realizador: Gustavo Cerati
2000 | Nominación «Mejor video clip»: «Puente»
2000 | Nominación «Album del año»: «Bocanada»
2002 | Nominación «Mejor artista masculino de rock»: «11 Episodios Sinfónicos»
2002 | Nominación «Mejor diseño de portada»: «11 Episodios Sinfónicos» | Diseñador: Urko Suaya
2002 | Nominación «Realizador del Año»: «11 Episodios Sinfónicos» | Realizador: Diego Sáenz
2003 | Nominación «Mejor album artista de rock»: «Siempre es hoy»
2003 | Nominación «Mejor abum del año»: «Siempre es hoy»
2003 | Nominación «Realizador del año»: «Siempre es hoy»| Realizadores: Gustavo Cerati, Toy Hernández y Sacha Triujeque
2003 | Nominación «Mejor Realización del Año»: «Cosas imposibles» | Realizadores: Cerati, Etcheto
2007 | Ganador «Mejor album artista de rock»: «Ahí vamos»
2007 | Ganador «Mejor diseño de portada»: «Ahí vamos» | Diseñador: Ezequiel de San Pablo
2007 | Ganador «Mejor video clip»: «Crimen»
2007 | Nominación «Ingeniería de grabación»: «Ahí vamos» | Ingenieros: González, Dorfman, Castillo, Weinberg
2007 | Ganador «Interpretación del Año»: «Crimen»
2007 | Ganador «Producción del Año»: «Ahí vamos» | Productor: Cerati/González
2007 | Ganador «Canción del Año»: «Crimen»
2007 | Ganador «Album del año»: «Ahí vamos» | Gardel de Oro
2008 | Ganador «Mejor DVD»: «Ahí vamos»
2008 | Nominación «Canción del año»: «El mareo» (del álbum «Mar dulce» de Bajofondo, cantada por Gustavo Cerati).
2010 | Ganador “Mejor álbum artista de rock”: «Fuerza Natural»
2010 | Ganador “Mejor diseño de portada”: (Rock Instrument Bureau)
2010 | Ganador “Mejor canción del año”: «Deja Vu»: (Landia)
2010 | Ganador “Mejor videoclip”: «Deja Vu»
2010 | Ganador “Producción del año”: (Gustavo Cerati – Héctor Castillo)
2010 | Ganador “Ingeniería de grabación”: (Héctor Castillo · Uriel Dorfman · Nicolás Parker Pucci · James Brown · Greg Calbi))
2010 | Ganador “Album del año”: «Fuerza Natural»
Premios Martín Fierro
2005 | Nominación «Mejor tema musical origial»: «Tu locura» (Cortina de «Locas de amor», Canal 13)
Premios Quiero (votación de los televidentes)
2009 | Ganador Video Vanguardia «Deja Vu». Premios Oye
2010 | Ganador «Musa 2010» en la categoría «Rock en Español» Otros
1995 | Premio Konex | Mejor cantante masculino de rock
2004 | Premio Buenos Aliens | Mejor CD «Reversiones/Siempre es hoy»
2005 | Premio Konex | Mejor solista masculino de rock
2007 | Viña del Mar, Antorcha de Plata, Antorcha de Oro y Gaviota de Plata
2007 | Personalidad destacada de la Cultura | Distinción del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires
2008 | Personalidad del año | Cámara Argentina de Productores de Fonogramas y Videogramas (CAPIF).
En estos meses de verano nos han dejado músicos como: John Spinks, Tommy Ramone, Idris Muhammad. Johny Winter… Por ello, desde Good Rocking Tonight-GRT queremos rendirles tributo para recordarles, aunque siempre nos quedará su música.
John Spinks
El 9 de julio fallecía el guitarrista y compositor de The Outfield. Spinks, Tony Lewis y Alan Jackman tocaron juntos por primera vez en la década de los 70 en la banda Sirius B. Llegó el punk, lo que hizo que el grupo se disolviera. En los 80 Spinks grabaría, junto con Lewis y Jackman., algunas demos con el nombre de Baseball Boys. Sin embargo en 1984 cambiarían el nombre del grupo por The Outfield. Un año después conseguían el multiplatino con el álbum Play Deep y el tema «Your Love» se convertiría en su hit más sonado.
Tommy Ramone
Su verdadero nombre era Tamás Erdélyi, aunque se le conocía más como Tommy Ramone o Thomas Erdélyi. Fue el primer baterista y miembro fundador de la banda punk rock Ramones. Tommy fue el responsable de recomendar que Joey Ramone ser el vocalista y que abandonara la batería. Tommy participó en la banda hasta 1978 cuando grabó su último álbum de estudio, Rocket to Russia. Fue reemplazado por Marky Ramone. Aunque más tarde volvería a la banda no ya como músico, sino como productor y editor de sus discos. Tommy será recordado por dar forma al espíritu de los Ramones, por su estilo a la batería copiado después por muchos y, sobre todo, por este tema que compuso: «Blitzkrieg Bop».
Idris Muhammad
Nacido como Leo Morris, cambió su nombre al convertirse al islam en 1960. Fue un baterista de jazz. Y aunque nuestro tributo y nuestro blog habla de rock, en GRT también hemos mencionado a Fats Domino cuando hablábamos del origen del rock. De hecho, cuando Idris Muhammad contaba con 15 años tocó como músico de sesión en ese éxito de Domino llamado «Blueberry Hill».
También tocó con otros artistas como Lou Donaldson, Johnny Griffin,2 Pharoah Sanders,Betty Carter, Roberta Flack, Rahsaan Roland Kirk, Horace Silver, Herbie Hancock y Grover Washington, Jr. Desde 1995 tocaba habitualmente con Ahmad Jamal.
Johny Winter
John Dawson ‘Johnny’ Winter fue una estrella del blues eléctrico que saltó a la fama a finales de los años 60 y que actuó en el mítico festival de Woodstock.
Cantante, guitarrista y productor, Winter era conocido y respetado por haber sabido combinar el “rock-blues” británico con el “rock-blues” de Estados Unidos.
Logró ser uno de “los indispensables” del “blues” en los años setenta y ochenta, junto a otros “grandes” como Muddy Waters o John Lee Hooker, con los que colaboró en repetidas ocasiones.
Winter fue nominado siete veces a los premios Grammy, pero nunca lo logró en solitario, aunque sí consiguió tres galardones como productor de Waters.
Glenn Cornick
Pimer bajista de Jethro Tull y tocó en la banda entre los años 1967 y 1970.
Para muchos críticos fue el mejor bajista de Jethro Tull cuya habilidad y estilo puede apreciarse, especialmente, en el álbum Stand Up (1969), sobre todo en el tema «Bourée».
Cornick se separó del grupo en 1970, tras el tercer álbum de la banda (Benefit), para formar la banda Wild Turkey.
Jimi Jamison
Jimmy Wayne «Jimi» Jamison, más conocido como Jimi Jamison fue uno de los primeros vocalistas de Survivor de 1984 hasta 1989, y en los años 2000 hasta 2006. Anteriormente cantaba para las bandas Meta y Cobra y prestó su voz de fondo para bandas como ZZ Top y Krokus. Después de la desaparición de Cobra en 1983/1984, fue invitado a una audición para Survivor.
Jamison se unió a Survivor en 1984 (después de su gran éxito «Eye of the Tiger»), y fue el cantante principal de otras canciones clásicas como «The Moment of Truth”, de Karate Kid, «The Search Is Over» e «Is This Love”. También cantó «Burning Heart» deRocky IV y fue también el co-escritor y vocalista de la canción «Yo siempre estoy aquí», el tema musical de Baywatch (o Vigilantes de la playa en España).
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